Tormek Freunde: Daniel Ankarstrand
Der Holzbildhauer Daniel Wester hatte ursprünglich nicht vor, Holzkünstler zu werden. Alles begann mit der Suche nach etwas Persönlichem – abseits der Zwänge kommerzieller kreativer Arbeit – entwickelte sich jedoch schnell zu einer intensiven Auseinandersetzung mit Form, Material und Prozess. Heute sind seine Arbeiten in Ausstellungen, internationalen Kooperationen und experimentellen Projekten zu sehen. Dennoch bleibt sein Schaffen in der unmittelbaren Beziehung zwischen Hand, Geist, Werkzeug und Holz verwurzelt. Für Daniel steht der Prozess des Schaffens weiterhin im Mittelpunkt – dort, wo scharfe Werkzeuge, intuitive Entscheidungen und die Bereitschaft, Regeln loszulassen, sowohl die entstehenden Objekte als auch den Menschen formen, der sie erschafft.
„Ich schnitze für mein eigenes Wohlbefinden“
Daniel Wester ist ein schwedischer Holzbildhauer. Seine Arbeit bewegt sich zwischen Ausstellungen, Kooperationen mit Marken und unabhängigen Kunstprojekten – doch im Kern geht es immer um dasselbe: die Beziehung zwischen Hand, Material und Gedanken.
In den vergangenen Jahren hat Daniels Arbeit ein Publikum weit über die Schnitzszene hinaus erreicht. Seine Skulpturen wurden in Stockholm, Tokio und an weiteren Orten in Schweden ausgestellt, unter anderem in den Ausstellungen Obsession (Bukowskis, Stockholm), Comma (Design 21, Tokio), Sweet Tooth (Pragmata, Tokio) und Trying to Leave (Black Gallery, Schweden). Neben seiner künstlerischen Arbeit hat er mit Marken und Institutionen wie Audemars Piguet, LVMH, Fendi, Loewe, Ikoyi London, Alchemist Copenhagen, Cardinal Edinburgh und Dorchester London zusammengearbeitet.
Sein Schaffensprozess mündet fast immer in einer Ausstellung. Derzeit konzentriert er sich auf eine bevorstehende Ausstellung in Tokio, wobei der Prozess lange beginnt, bevor ein fertiges Objekt entsteht. „Ich skizziere ausschließlich in Holz. Nicht auf Papier. Ich brauche die dreidimensionale Form sofort, auch wenn das den Prozess langsam und manchmal frustrierend macht“, beschreibt Daniel.
Das Skizzieren in Holz bedeutet, dass jede Idee Zeit braucht. Viele Stunden können in ein Objekt fließen, das später verworfen wird. Doch genau dabei geschieht auch etwas Wesentliches. „Wenn du in Holz deine Linie verlierst, ist sie weg. Du kannst kein Material wieder hinzufügen – und das verändert die Art, wie du arbeitest.“
Von der kreativen Konzeption zur physischen Form
Bevor Holz in den Mittelpunkt rückte, arbeitete Daniel als Fotograf und später im Bereich Creative Direction. Mit der Zeit wurde seine Arbeit zunehmend digital – und entfernte sich immer weiter von dem, wonach er suchte. „Mir fehlte der Raum für meine eigene Kreativität. Es ging immer darum, auf Marken, Briefings und Teams einzugehen. Ich brauchte etwas, das nur mir gehörte.“
Dass es ausgerechnet Holz wurde, war Zufall. Während eines Projekts probierte er das Schnitzen aus – und war sofort davon gefesselt. Er beschreibt es als einen Zustand, den er zuvor bei der analogen Fotografie erlebt, bei der digitalen Arbeit jedoch verloren hatte. „Es war dieses Gefühl. Du bist vollkommen im Moment, es ist fast wie Meditation. Das Material, das Werkzeug, der Widerstand. Deine Hand arbeitet direkt mit etwas Realem. Ich wurde sehr schnell fast schon besessen davon.“
Der Prozess ist wichtiger als das Ergebnis
Am Anfang war das Schnitzen für Daniel etwas ganz Privates. Ein Ausgleich zu Leistungsdruck, Erwartungen und äußeren Anforderungen. „Es war mein Geschenk an mich selbst. Eine Möglichkeit, ohne Druck kreativ zu sein“, sagt er.
Mit der Zeit ist dieses Gleichgewicht komplexer geworden. Ausstellungen und Kooperationen bringen neue Erwartungen mit sich, und um an seiner ursprünglichen Intention festzuhalten, muss Daniel bewusste Entscheidungen treffen: „Ich muss mich ständig fragen: Will ich das wirklich machen oder mache ich es für jemand anderen?“
Um sich seine ursprüngliche Motivation zu bewahren, ist die Skizzenphase zu einem wesentlichen Bestandteil seines Prozesses geworden – und sie findet immer direkt im Holz statt, sodass Ideen nicht auf Papier, sondern unmittelbar im Material erprobt werden. Hier bleibt die spielerische Freiheit erhalten. Aus den Skizzen muss nichts Bestimmtes entstehen. Es ist einfach ein Prozess, in dem Daniel sich weiterhin das Geschenk machen kann, um des Schaffens willen zu schaffen.
Qualität, Ausdruck und das Brechen von Regeln
Für Daniel geht es bei Qualität nicht um Tradition oder vorgegebene Regeln, sondern darum, die eigene Intention zu verwirklichen. Tatsächlich empfindet er Traditionen und Regeln eher als Einschränkung. „Qualität bedeutet für mich, dass ich meine Vision umsetzen kann. Dass ich die richtigen Linien und den richtigen Ausdruck finde.“
Seine Arbeiten wirken oft ganz bewusst leicht aus dem Gleichgewicht – mit subtilen Abweichungen bei Proportionen, Form und Symmetrie. Damit hinterfragt er Erwartungen, anstatt ihnen zu folgen. „Mich interessieren keine Regeln dafür, wie etwas aussehen sollte. Ich möchte meinen eigenen Ausdruck finden.“
Dieser Ansatz ist ebenso philosophisch wie visuell. Indem er Formen erlaubt, ein wenig „falsch“ zu sein, schafft er Raum für etwas Intuitiveres und Persönlicheres. „Ich glaube, die Welt wäre ein besserer Ort, wenn mehr Menschen mit ihren Händen arbeiten würden. Deshalb finde ich es ziemlich engstirnig zu sagen, dass jemand etwas ‚falsch‘ macht“, sagt Daniel.
Schärfen als Teil des Prozesses
Daniels Verhältnis zum Schärfen hat sich von einer Notwendigkeit zu einem bewussten Teil seines Schaffensprozesses entwickelt. Was sich früher wie eine Unterbrechung, ja sogar wie ein notwendiges Übel anfühlte, gehört heute zu seiner Vorbereitung auf die Arbeit. „Früher wollte ich einfach nur schnitzen. Heute gehört das Schärfen für mich auch zur mentalen Vorbereitung“, beschreibt er.
Die Arbeit mit dem Tormek System hat bei dieser Veränderung eine wichtige Rolle gespielt. Wenn das Schärfen schnell, präzise und wiederholbar wird, fügt es sich ganz natürlich in den Arbeitsablauf ein, anstatt ihn zu unterbrechen. „Als ich verstanden hatte, wie effizient man mit einer Tormek Maschine eine wirklich gute Schneide erzielt, war der Widerstand verschwunden.“
Für eine gleichmäßige Schneide verwendet er hauptsächlich den Original Grindstone und legt dabei mehr Wert auf Zuverlässigkeit als auf spiegelpolierte Schneiden. Für sein meistgenutztes Werkzeug, das Schnitzmesser, verwendet er die KJ-45 Centering Knife Jig in Kombination mit dem SVM-00 Small Knife Holder. Seit der Einführung der AX-40 Axe Jig gehört auch sie zu seinen Favoriten.
Beim Drechseln wird die Bedeutung scharfer Werkzeuge noch unmittelbarer. Mit den Tormek Vorrichtungen für Drechselwerkzeuge kann Daniel exakte Winkel mit minimalem Aufwand beibehalten. Mit der SVD-186 R Gouge Jig kann er schnell zum gleichen Winkel und zur gleichen Form zurückkehren. Für Daniel macht diese Wiederholgenauigkeit einen großen Unterschied, besonders wenn während einer Arbeitssitzung mehrmals geschärft wird. Und diese Wiederholung hat auch seine Arbeitsweise verändert. „Die Pause beim Schärfen wird wertvoll. Du hältst inne, betrachtest das Objekt und richtest dich neu aus. Das gibt dem Prozess etwas.“
Interessanterweise unterscheidet sich das beim Schnitzen und Drechseln: „Beim Schnitzen ist der Prozess ohnehin langsam und reflektiert. Beim Drechseln dagegen geht alles schnell – da wird das Schärfen zu einer natürlichen Pause, in der man die Richtung neu überdenken kann“, sagt Daniel und weist darauf hin, dass er noch kein besonders erfahrener Drechsler ist.
Was als Notwendigkeit begann, ist inzwischen zu etwas anderem geworden. „Heute sehe ich das Schärfen als Teil des Handwerks selbst. Nicht als etwas, das davon getrennt ist.“
Prozess, Vollendung und Kontext
Die Frage, wann ein Objekt fertig ist, lässt sich nicht eindeutig beantworten. Für Daniel ist der Moment der Vollendung eher intuitiv als absolut – und oft weniger wichtig als der Schaffensprozess selbst. „Es ist eigentlich ganz schön, nicht fertig zu sein. Man möchte im Prozess bleiben.“
Objekte, die in einen bestimmten Kontext nicht passen, werden nicht verworfen, sondern beiseitegelegt. Vielleicht tauchen sie später in einem anderen Zusammenhang wieder auf, in dem sie ihren Platz finden. „Etwas, das in einem Kontext nicht funktioniert, kann in einem anderen funktionieren.“
Der Prozess geht immer weiter und wird von Zeit, Wiederholung und der Bereitschaft geprägt, Dinge sich entwickeln zu lassen, anstatt ein endgültiges Ergebnis zu erzwingen.
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