Daniel Wester – Sculpteur sur bois
La sculpture est un cadeau que l’on se fait à soi-même.
Le sculpteur sur bois Daniel Wester n’avait pas prévu de devenir artiste du bois. Tout a commencé comme une recherche de quelque chose de personnel, en dehors des contraintes du travail créatif commercial, mais s’est rapidement transformé en une exploration obsessionnelle de la forme, de la matière et du processus. Aujourd’hui, son travail est présenté dans des expositions, des collaborations internationales et des projets expérimentaux. Il reste pourtant ancré dans une relation directe entre la main, l’esprit, l’outil et le bois. Pour Daniel, l’acte de création reste au cœur de sa démarche : là où les outils affûtés, les décisions intuitives et la volonté de s’affranchir des règles façonnent à la fois les objets et la personne qui les crée.
« Je sculpte pour mon propre bien-être »
Daniel Wester est un sculpteur sur bois suédois. Son travail évolue entre expositions, collaborations avec des marques et projets artistiques indépendants, mais le cœur de sa pratique reste le même : la relation entre la main, la matière et la pensée.
Au cours des dernières années, le travail de Daniel a touché un public bien au-delà de la communauté de la sculpture sur bois. Ses sculptures ont été exposées à Stockholm, Tokyo et en Suède, notamment lors des expositions Obsession chez Bukowskis à Stockholm, Comma chez Design 21 à Tokyo, Sweet Tooth chez Pragmata à Tokyo et Trying to Leave chez Black Gallery en Suède. Parallèlement à sa pratique artistique, il a collaboré avec des marques et institutions telles qu’Audemars Piguet, LVMH, Fendi, Loewe, Ikoyi London, Alchemist Copenhagen, Cardinal Edinburgh et Dorchester London.
Sa pratique aboutit presque toujours à une exposition. En ce moment, il se concentre sur une prochaine exposition à Tokyo, où le processus commence bien avant l’existence d’un objet fini. « Je fais mes esquisses entièrement dans le bois. Pas sur papier. J’ai besoin de la forme tridimensionnelle immédiatement, même si cela rend le processus lent et parfois frustrant », décrit Daniel.
Esquisser dans le bois signifie que chaque idée prend du temps. Des heures peuvent être consacrées à un objet qui sera ensuite écarté. Mais c’est aussi là que quelque chose d’essentiel se produit. « Si vous perdez votre ligne dans le bois, elle est perdue. Vous ne pouvez pas rajouter de matière, et cela change votre manière de travailler. »
De la direction créative à la présence physique
Avant que le bois ne prenne le dessus, Daniel travaillait comme photographe, puis dans la direction créative. Avec le temps, son travail est devenu de plus en plus numérique, et de plus en plus éloigné de ce qu’il recherchait. « L’espace pour ma propre créativité me manquait. Tout consistait à répondre aux marques, aux briefs et aux équipes. J’avais besoin de quelque chose qui m’appartienne vraiment. »
Que ce soit le bois, c’est arrivé par hasard. Au cours d’un projet, il a essayé de sculpter, et il a tout de suite accroché. Il décrit cela comme un état, quelque chose qu’il avait déjà connu avec la photographie argentique, mais qu’il avait perdu dans le travail numérique. « C’était la sensation. On est complètement présent, c’est très proche de la méditation. La matière, l’outil, la résistance. La main qui travaille directement avec quelque chose de réel. Je suis devenu presque obsessionnel très rapidement. »
Le processus compte plus que le résultat
Au début, la sculpture était entièrement privée pour Daniel. Un contrepoids à la performance, aux attentes et aux exigences extérieures. « C’était mon cadeau à moi-même. Une manière de créer sans pression », dit-il.
Avec le temps, cet équilibre est devenu plus complexe. Les expositions et les collaborations apportent de nouvelles attentes, et préserver l’intention d’origine demande des choix conscients : « Je dois constamment me demander : est-ce que j’ai envie de faire cela, ou est-ce que je le fais pour quelqu’un d’autre ? »
Pour rester fidèle à cette motivation initiale, la phase d’esquisse est devenue essentielle, toujours réalisée directement dans le bois, où les idées sont testées physiquement plutôt que sur papier. C’est là que l’aspect ludique reste intact. Les esquisses n’ont pas besoin de devenir quoi que ce soit. C’est simplement un processus dans lequel Daniel peut encore s’offrir le cadeau de la création pure.
Qualité, expression et transgression des règles
Pour Daniel, la qualité n’est pas une question de tradition ou de règles prédéfinies, mais de concrétisation d’une intention. Sa propre intention. En réalité, il trouve plutôt que la tradition et les règles sont contraignantes. « Pour moi, la qualité, c’est lorsque je parviens à réaliser ma vision. Quand je trouve les bonnes lignes et la bonne expression. »
Son travail porte souvent un caractère volontairement déséquilibré : de subtiles distorsions dans les proportions, la forme et la symétrie. C’est une manière de remettre en question les attentes plutôt que de les suivre. « Les règles qui dictent à quoi quelque chose devrait ressembler ne m’intéressent pas. Je veux trouver ma propre expression. »
Cette approche est autant philosophique que visuelle. En permettant aux formes d’être légèrement « incorrectes », il ouvre un espace pour quelque chose de plus intuitif et personnel. « Je pense que le monde serait meilleur si davantage de personnes travaillaient avec leurs mains. C’est pourquoi cela me semble assez étroit d’esprit de dire que quelqu’un le fait “mal” », explique Daniel.
L’affûtage comme partie intégrante du processus
La relation de Daniel à l’affûtage est passée de la nécessité à l’intention. Ce qui lui semblait autrefois être une interruption, voire un mal nécessaire, fait désormais partie de sa manière d’entrer dans le travail. « Avant, je voulais simplement sculpter. Maintenant, l’affûtage fait partie de ma préparation mentale », décrit-il.
Le fait de travailler avec le système Tormek a joué un rôle essentiel dans cette évolution. Lorsque l’affûtage devient rapide, précis et reproductible, il s’intègre naturellement au flux de travail au lieu de l’interrompre. « Une fois que j’ai compris à quel point il est efficace d’obtenir un vrai tranchant avec une affûteuse Tormek, la résistance a disparu. »
Il utilise principalement la Meule d’origine pour établir un tranchant constant, en privilégiant la fiabilité plutôt que des tranchants polis de manière purement esthétique. Pour son outil le plus utilisé, le couteau de sculpture, il utilise le KJ-45 Dispositif pour couteaux avec centrage combiné au SVM-00 Support pour petits couteaux. Depuis le lancement du AX-40 Dispositif pour haches, celui-ci est également devenu l’un de ses favoris.
En tournage sur bois, le besoin d’outils affûtés devient encore plus immédiat. L’utilisation des dispositifs Tormek pour outils de tournage lui permet de conserver des angles exacts avec un minimum d’effort. Il utilise le SVD-186 R Dispositif pour gouges afin de retrouver instantanément le même angle et la même forme. Pour Daniel, cette constance fait une énorme différence, surtout lorsque l’on affûte plusieurs fois au cours d’une même séance. Et cette répétition a changé sa manière de travailler. « La pause que l’on prend pour affûter devient précieuse. On s’arrête, on regarde l’objet, on se recentre. Cela ajoute quelque chose au processus. »
Il est intéressant de noter que cela diffère entre la sculpture et le tournage : « En sculpture, le processus est déjà lent et réfléchi. Mais en tournage, tout va vite ; l’affûtage devient donc une pause naturelle qui permet de réévaluer la direction à prendre », explique-t-il, en précisant qu’il n’est pas un tourneur sur bois très expérimenté.
Ce qui avait commencé comme une nécessité est devenu autre chose. « Aujourd’hui, je vois l’affûtage comme une partie intégrante du métier lui-même. Pas comme quelque chose de séparé. »
Processus, achèvement et contexte
La question de savoir quand un objet est terminé n’est pas figée. Pour Daniel, l’achèvement est intuitif plutôt qu’absolu, et souvent secondaire par rapport à l’acte de création lui-même. « C’est plutôt agréable de ne pas avoir terminé. On a envie de rester dans le processus. »
Les objets qui ne trouvent pas leur place dans un contexte ne sont pas jetés, mais mis de côté. Ils peuvent réapparaître plus tard, dans un cadre différent où ils prennent tout leur sens. « Quelque chose qui ne fonctionne pas dans un contexte peut fonctionner dans un autre. »
Le processus est continu, façonné par le temps, les itérations et la volonté de laisser les choses évoluer plutôt que de forcer un résultat final.
