Tormek Friend: Daniel Ankarstrand
Le sculpteur sur bois Daniel Wester ne s’était pas destiné à devenir artiste du bois. Tout a commencé par la recherche de quelque chose de personnel, loin des contraintes du travail créatif commercial, avant de se transformer rapidement en une exploration passionnée de la forme, du matériau et du processus. Aujourd’hui, son travail est présenté dans des expositions, des collaborations internationales et des projets expérimentaux. Il reste néanmoins profondément ancré dans une relation directe entre la main, l’esprit, l’outil et le bois. Pour Daniel, l’acte de créer demeure essentiel – c’est là que des outils bien affûtés, des décisions intuitives et la volonté de s’affranchir des règles façonnent à la fois les objets et la personne qui les crée.
« Je sculpte pour mon bien-être »
Daniel Wester est un sculpteur sur bois suédois. Son travail se déploie entre expositions, collaborations avec des marques et projets artistiques indépendants – mais l’essentiel reste le même : la relation entre la main, le matériau et la pensée.
Ces dernières années, le travail de Daniel a touché un public bien au-delà du monde de la sculpture sur bois. Ses œuvres ont été exposées à Stockholm, à Tokyo et ailleurs en Suède, notamment dans les expositions Obsession (Bukowskis, Stockholm), Comma (Design 21, Tokyo), Sweet Tooth (Pragmata, Tokyo) et Trying to Leave (Black Gallery, Suède). Parallèlement à sa pratique artistique, il a collaboré avec des marques et des institutions telles qu’Audemars Piguet, LVMH, Fendi, Loewe, Ikoyi London, Alchemist Copenhagen, Cardinal Edinburgh et Dorchester London.
Son travail aboutit presque toujours à une exposition. En ce moment, il se concentre sur une prochaine exposition à Tokyo, dont le processus de création commence bien avant qu’un objet fini ne prenne forme. « Je fais mes esquisses entièrement dans le bois. Pas sur papier. J’ai besoin de la forme tridimensionnelle dès le départ, même si cela rend le processus lent et parfois frustrant », explique Daniel.
Faire ses esquisses dans le bois signifie que chaque idée demande du temps. Des heures peuvent être consacrées à un objet qui sera finalement abandonné. Mais c’est aussi là que se produit quelque chose d’essentiel. « Si vous perdez votre ligne dans le bois, elle est perdue. Vous ne pouvez pas rajouter de matière – et cela change votre façon de travailler. »
De la direction créative à la présence physique
Before wood took over, Daniel worked as a photographer and later in creative direction. Over time, the work became increasingly digital – and increasingly distant from what he was looking for. "I missed having space for my own creativity. Everything was about responding to brands, briefs and teams. I needed something that was just mine."
That it became wood was a coincidence. During a project, he tried carving – and got hooked immediately. He describes it as a state – something he had previously experienced in analogue photography, but lost in digital work. "It was the feeling. You’re completely present, it’s very close to meditation. The material, the tool, the resistance. Your hand working directly with something real. I became almost obsessive very quickly."
Le processus compte plus que le résultat
Au début, la sculpture sur bois était pour Daniel une activité entièrement personnelle. Un contrepoids à la performance, aux attentes et aux exigences extérieures. « C’était un cadeau que je me faisais. Une façon de créer sans pression », explique-t-il.
Avec le temps, cet équilibre est devenu plus complexe. Les expositions et les collaborations apportent de nouvelles attentes, et rester fidèle à l’intention initiale exige des choix conscients : « Je dois constamment me demander : est-ce que j’ai envie de faire cela, ou est-ce que je le fais pour quelqu’un d’autre ? »
Pour préserver cette motivation initiale, la phase d’esquisse est devenue essentielle – toujours réalisée directement dans le bois, où les idées sont mises à l’épreuve physiquement plutôt que sur le papier. C’est là que toute la spontanéité du processus demeure intacte. Les esquisses n’ont pas besoin d’aboutir à quoi que ce soit. C’est simplement un processus qui permet encore à Daniel de s’offrir le plaisir de créer pour le simple fait de créer.
Qualité, expression et transgression des règles
Pour Daniel, la qualité n’est pas une question de tradition ou de règles prédéfinies, mais de concrétiser une intention. Sa propre intention. En réalité, il trouve plutôt que les traditions et les règles sont contraignantes. « Pour moi, la qualité, c’est lorsque je parviens à concrétiser ma vision. Lorsque je trouve les bonnes lignes et la bonne expression. »
Son travail présente souvent un caractère volontairement déséquilibré – de subtiles distorsions dans les proportions, les formes et la symétrie. C’est une manière de remettre en question les attentes plutôt que de s’y conformer. « Les règles qui dictent à quoi quelque chose devrait ressembler ne m’intéressent pas. Je veux trouver ma propre expression. »
Cette approche est autant philosophique que visuelle. En laissant les formes être légèrement « imparfaites », il ouvre la voie à quelque chose de plus intuitif et de plus personnel. « Je pense que le monde se porterait mieux si davantage de personnes travaillaient de leurs mains. C’est pourquoi je trouve assez étroit d’esprit de dire que quelqu’un fait les choses “mal” », explique Daniel.
L’affûtage comme partie intégrante du processus
La relation de Daniel à l’affûtage a évolué : d’une nécessité, il est devenu une démarche intentionnelle. Ce qui lui semblait autrefois être une interruption, voire un mal nécessaire, fait désormais partie de sa manière d’entrer dans le travail. « Avant, je voulais simplement sculpter. Aujourd’hui, l’affûtage fait partie de ma préparation mentale », explique-t-il.
L’utilisation du système Tormek a joué un rôle essentiel dans cette évolution. Lorsque l’affûtage devient rapide, précis et reproductible, il s’intègre naturellement au processus de travail au lieu de l’interrompre. « Dès que j’ai compris à quel point il était efficace d’obtenir un bon tranchant avec une machine Tormek, cette réticence a disparu. »
Il utilise principalement l’Original Grindstone pour obtenir un tranchant régulier, privilégiant la fiabilité à un tranchant poli uniquement pour l’esthétique. Pour son outil le plus utilisé, le couteau de sculpture, il utilise le KJ-45 Centering Knife Jig associé au SVM-00 Small Knife Holder. Depuis le lancement du AX-40 Axe Jig, celui-ci est également devenu l’un de ses favoris.
En tournage sur bois, la nécessité de disposer d’outils bien affûtés est encore plus immédiate. L’utilisation des dispositifs Tormek pour les outils de tournage lui permet de conserver des angles précis avec un minimum d’effort. Il utilise le SVD-186 R Gouge Jig pour retrouver instantanément le même angle et la même forme. Pour Daniel, cette régularité fait une énorme différence, surtout lorsqu’il faut affûter plusieurs fois au cours d’une même séance. Et cette répétition a changé sa façon de travailler. « La pause consacrée à l’affûtage devient précieuse. On s’arrête, on observe l’objet, on repart avec un regard neuf. Cela apporte quelque chose au processus. »
Il est intéressant de constater que cela diffère entre la sculpture et le tournage : « Lorsque je sculpte, le processus est déjà lent et propice à la réflexion. Mais au tournage, tout va vite – l’affûtage devient donc une pause naturelle qui permet de réévaluer la direction à prendre », explique-t-il, tout en précisant qu’il n’est pas un tourneur sur bois très expérimenté.
Ce qui avait commencé comme une nécessité est devenu autre chose. « Aujourd’hui, je considère l’affûtage comme une partie intégrante de l’artisanat. Il n’en est pas séparé. »
Processus, achèvement et contexte
La question de savoir quand un objet est terminé n’a pas de réponse définitive. Pour Daniel, l’achèvement relève davantage de l’intuition que d’un état absolu – et reste souvent secondaire par rapport à l’acte de création lui-même. « C’est plutôt agréable de ne pas avoir terminé. On a envie de rester dans le processus. »
Les objets qui ne trouvent pas leur place dans un contexte donné ne sont pas abandonnés, mais mis de côté. Ils peuvent réapparaître plus tard, dans un autre cadre où ils prennent tout leur sens. « Quelque chose qui ne fonctionne pas dans un contexte peut fonctionner dans un autre. »
Le processus se poursuit ainsi, façonné par le temps, les itérations et la volonté de laisser les choses évoluer plutôt que d’imposer un résultat final.
